Wie erstellt man sein eigenes Bühnenprogramm?

Einleitung

Es ist so weit, Sie haben sich entschieden: Sie möchten das Abenteuer wagen und eine richtige Show schreiben. Sie beginnen sich auszumalen, wie sie aussehen wird: dies hier, ein wenig davon dort… doch alles vermischt sich. Sollte ich damit beginnen, eine Figur zu finden, um dann über die Kunststücke nachzudenken, die ich präsentieren werde? Oder vielleicht umgekehrt? Wie schreibt man einen Text, der für das Publikum interessant genug ist? Und wie lernt man diese ganzen Textseiten auswendig?

Das sind alles Fragen (und seien Sie beruhigt, es ist völlig normal, sich diese zu stellen), die einen schwindelig machen können. Es war an der Zeit, die Dinge ruhig anzugehen und sie Punkt für Punkt zu analysieren, um Ihr Endziel zu erreichen: Ihre eigene Zaubershow von Grund auf zu kreieren.

Das Gesamtkonzept Ihrer Show

Zunächst müssen einige wichtige Punkte bezüglich Ihrer Show geklärt werden. Diese Punkte, die wir nun betrachten werden, sind die ersten Worte, die Ihre Show beschreiben, die ersten Bausteine dafür.

Eine der ersten Fragen, die Sie sich stellen sollten, betrifft die Art der Show, die Sie präsentieren möchten: Handelt es sich um eine Close-up-Show? Eine Show, die auf einer Bühne aufgeführt wird? Oder um eine Show, die während eines Umhergehens an einem Ort (zum Beispiel auf einem Festival) stattfindet? Jede Art von Show hat ihre Zwänge und Stärken; hier geht es darum, Ihre Vorstellungen über das, was Sie präsentieren möchten, zu festigen.

Sobald die Art der Show festgelegt ist, müssen Sie über das ideale Publikum nachdenken, dem Sie sie präsentieren werden. Besteht es ausschließlich aus Zauberkünstlern? In diesem Fall müssen Sie den Schwerpunkt auf die Schaffung neuer Effekte legen. Besteht das Publikum aus Wissenschaftlern oder Experten eines Fachgebiets (das ist der Fall, wenn Ihre Show beispielsweise auf einem Kongress aufgeführt werden soll)? Dann müssen auch Sie ein Experte auf diesem Gebiet sein, andernfalls verlieren Sie durch Unsinn Ihre Glaubwürdigkeit. Handelt es sich um eine Kindershow? Wenn ja, empfehlen wir Ihnen, Bücher zu diesem Thema zu studieren, wie zum Beispiel Spectacle pour enfants: Le guide complet von Danny Orleans. Schließlich kann das Publikum auch ein „klassisches“ Publikum ohne echte Dominanz sein. Das bedeutet, dass Sie bei Ihrer Präsentation breit gefächert bleiben sollten oder zumindest alles so erklären müssen, dass niemand außen vor gelassen wird.

Lassen Sie uns schließlich über das allgemeine Thema der Show sprechen. Wenn Sie eine Show schreiben möchten, dann deshalb, weil Sie sicherlich einen anfänglichen Impuls, eine Idee oder eine bestimmte Emotion haben, die Sie vermitteln möchten, oder ein Thema, das Sie während dieser Show ansprechen möchten. Egal, worum es geht, dieses Schlagwort wird der grundlegende Baustein sein, von dem aus Ihre gesamte Show abgeleitet wird. Dies kann ein Thema sein, das einen Ort bezeichnet (ein Land zum Beispiel, Sie könnten unter anderem eine japanische Zaubershow zum Thema Kino präsentieren…), ein Thema, das auf einer Geschichte basiert, von der Sie den Anfang kennen (eine Romanze zwischen zwei Personen…), oder ein abstrakteres Konzept (die Darstellung eines Kampfes zwischen Gut und Böse…).

So wissen Sie, nachdem Sie bei Null angefangen haben, nun, welche Art von Show Sie präsentieren möchten, was das allgemeine Thema mit Ihrem Schlagwort ist, und Sie haben sogar eine Zielgruppe, der Sie sie präsentieren können. Wir können also beginnen, zum Kern der Sache vorzudringen und zu sehen, wie man von einem einfachen Schlagwort zu einem echten Universum gelangt…

Ein Universum erschaffen

Sie haben Ihr Thema, ein Schlagwort, eine Emotion, kurz: ein oder zwei Wörter, die die Essenz Ihres Projekts darstellen. Wir müssen weitergehen und uns von diesem Thema durchdringen lassen, um ein kohärentes Universum daraus zu erschaffen. Nehmen wir ein Beispiel, um dies zu veranschaulichen: Ich möchte eine Show zum Thema „Steampunk“ kreieren, habe aber noch keine Idee für eine Handlung, keine zu präsentierenden Effekte und erst recht kein Universum. Keine Panik, fangen wir an, uns damit zu befassen!

Eine gute Vorgehensweise besteht zunächst darin, sich von den Ressourcen inspirieren zu lassen, die im Internet und anderswo existieren und dieses Thema behandeln. Können Sie ein Buch finden, das sich mit diesem Thema befasst? Egal, ob es sich um ein Sachbuch oder einen Roman handelt. Gibt es vielleicht eine oder mehrere klassische Serien, die man sich zu diesem Thema ansehen kann? Eine Musik, die man sich dazu anhören kann?

Die Idee ist, einen Ordner auf Ihrem Computer zu erstellen und absolut alles, was Sie finden, dort ungeordnet hineinzulegen. Es geht im Moment nicht darum, eine Auswahl zu treffen, sondern einfach vollständig in das fragliche Universum einzutauchen. Indem Sie immer wieder hier und da gefundene Bilder hinzufügen, wird sich eine grafische Kohärenz bilden, dominante Farben werden erscheinen, ein Stil wird sich durchsetzen und bestimmte Kleidungsstücke werden logisch zu tragen sein. Es ist ratsam, auf Seiten wie Pinterest oder Instagram zu schauen, was die Internetnutzer in Bezug auf das gesuchte Thema gepostet haben. Diese Seiten sind wahre Goldgruben und ermöglichen es Ihnen, Alben (Moodboards) zu erstellen, indem Sie die Inhalte speichern, die Ihnen gefallen.

Verknüpfen Sie mit den Bildern Klänge. Das können natürlich Musiktitel sein, aber auch Geräusche (z. B. Mechanismen, Uhrenticken oder Dampfmaschinengeräusche für Steampunk). Verbinden Sie auch Gerüche, die in diesem Universum vorkommen könnten. Es könnte interessant sein, in Ihrer Show einen Umgebungsduft zu haben, der die Zuschauer noch tiefer in das von Ihnen geschaffene Universum eintauchen lässt. Es ist diese Art von Detail, die eine Show von „gut“ zu „völlig immersiv“ macht…

Diese Recherchen ermöglichen es Ihnen also, ein kohärentes Universum zu konzipieren, in dem sich Ihre Figur bewegen wird. Apropos Figur: Es ist an der Zeit, sich mit dieser Frage zu befassen. Sie müssen – auch wenn das Thema in Ihrer Show nicht direkt behandelt wird – erklären können, welchen Beruf Ihre Figur im Leben ausübt. Unabhängig davon, ob diese Frage direkt in Ihrer Show thematisiert wird oder nicht, macht das Wissen und die schriftliche Festlegung das Ganze logischer. Sie müssen das Leben dieser Figur im Detail erzählen können. Schließlich werden Sie in ihrer Haut stecken, wenn Sie auf der Bühne stehen. Nicht zu wissen, worauf man sich einlässt, kann zu nichts Gutem führen. Sie können nicht kohärent sein und eine immersive Show haben, wenn Sie nicht einmal die Gewohnheiten Ihrer Figur kennen. Hat sie vielleicht Sprach-Tics? Schlechte Angewohnheiten? Hat sie eine Familie und wer zählt zu ihren engen Freunden? Wo wohnt sie, welchen Beruf übt sie aus? Indem Sie all diese Fragen beantworten, wird sich das Ganze wie von selbst ergeben und die Logik wird sich Ihnen aufdrängen. Diese Antworten sind allesamt mögliche Türen für die Erzählstränge, die Ihre Show strukturieren werden.

Nehmen wir zum Beispiel unsere Steampunk-Figur: Anstatt „nur“ zu zaubern, während man sich in einer Steampunk-Kulisse befindet, könnte es interessant sein, einen narrativen Strang um die Figur herum zu schaffen. Indem wir uns fragen, wer diese Figur ist und was sie beruflich macht, könnten wir uns beispielsweise vorstellen, dass sie ein Händler ist, der von Stadt zu Stadt zieht, um verschiedene magische Maschinen zu verkaufen. Diese einfache Idee gibt uns bereits narrative Ansätze (die Figur müsste wie ein Jahrmarkthändler sprechen) und sogar Ideen für das Dekor (man kann sich vorstellen, dass die Bühne die Nachbildung seines Standes ist). Dies liefert einen Vorwand für die Geschichte (die Figur kommt auf die Bühne, weil sie gerade in einer neuen Stadt angekommen ist) und sorgt für Kohärenz im Ganzen (die Zuschauer spielen die Rolle des Publikums vor dem Stand, wodurch es gelingt, die vierte Wand logisch zu durchbrechen, anstatt nur „einen Zaubertrick um des Zaubertricks willen“ zu zeigen).

Nachdem die allgemeine Stimmung festgelegt ist, müssen wir nun an dem Text selbst arbeiten, der all Ihren Ideen Leben einhauchen wird…

Eine Geschichte aufbauen

All diese Ansätze, die sich nach und nach formen, sind Elemente, die sich zusammenfügen lassen, um eine echte Haupthandlung zu erschaffen. Man könnte sich – um das Steampunk-Beispiel aufzugreifen – vorstellen, dass das Ziel der Figur auf der Bühne darin besteht, die Maschine zu bauen, von der sie träumt, dass sie dafür jedoch eine große Anzahl von Hindernissen überwinden muss, die allesamt als Vorwand für Zauberkunststücke während der Show dienen.

Das Erschaffen einer Geschichte ist, selbst wenn sie auf diesen Elementen basiert, nie einfach (wenn es das wäre, gäbe es schließlich keinen Reiz dabei!). Das oberste Gebot Ihrer Geschichte ist Kohärenz. Fragen Sie sich bei jedem eingeführten Element immer nach dem „Warum“. Zum Beispiel kann es nützlich sein, sich zu fragen, warum ein magischer Effekt eintritt. Woher kommt diese Magie? Stammt sie von der Figur selbst, die mit Kräften ausgestattet wäre (und ist das logisch in Bezug auf das, was Sie über die Geschichte Ihrer Figur geschrieben haben?), oder stammt sie zum Beispiel von den Gegenständen selbst? Wir empfehlen Ihnen dazu das Ansehen dieser Folge von Détours de magie, in der wir Claude de Piante interviewt haben und in der es genau darum geht, wie man eine Figur erschafft und welche Bedeutung die Logik und Kohärenz des Textes haben.

Um das Steampunk-Beispiel wieder aufzugreifen: Man könnte versucht sein zu sagen, dass die Figur selbst keine Kräfte hat, sondern dass die Gegenstände selbst mit einer Kraft geladen sind. Es sind die wunderbaren Dampfmaschinen, die die Macht innehaben; die Figur beobachtet sie nur oder erleidet sie manchmal sogar.

Aber wenn man das einmal gesagt hat, müssen wir noch ein wenig tiefer graben. Und da man nicht als Schriftsteller geboren wird, haben uns einige talentierte Personen im Bereich des Drehbuchschreibens die Sache erleichtert, indem sie Methoden in Büchern popularisiert haben. In diesem Zusammenhang empfehle ich Ihnen die Bücher Écrire pour la magie von Benoit Grenier, Le pouvoir de la narration magique von Claude de Piante und Die Heldenreise (Le guide du scénariste) von Christopher Vogler, aus dem eine allgemeine Struktur abgeleitet wird, die auf fast jede Show angewendet werden kann und 12 Schritte umfasst.

Christopher Vogler erklärt, dass man leicht eine Geschichte schreiben kann, indem man sich auf diese 12 Punkte stützt:

1. Die gewöhnliche Welt: Die Kulisse wird auf unseren Helden abgestimmt, der in einer gewöhnlichen Welt lebt. Dies ist der Anfangsmoment, in dem wir ihn kennenlernen, seine Stärken und Schwächen entdecken, aber auch seine eigene Welt, die letztendlich gar nicht so weit von unserer entfernt ist…
2. Der Ruf zum Abenteuer: Aus dem einen oder anderen Grund tritt ein Problem auf, das der Held lösen muss. Dies ist der Moment, in dem das Abenteuer beginnt, wo die Figur anfängt, die Abenteuer zu überwinden.
3. Die Weigerung des Rufes: Der Held hat Angst vor den Konsequenzen dieses Rufes zum Abenteuer. Dieser Ruf ist keine einfache Sache; er muss sich seinen Ängsten stellen, um die Prüfungen zu überstehen.
4. Die Begegnung mit dem Mentor: Eine Person, die der Held trifft, wird ihm auf die eine oder andere Weise helfen, die Prüfungen zu überstehen. Oft hat dieser Mentor zu einer anderen Zeit die gleichen Prüfungen durchlaufen wie der Held und gibt daher gute Ratschläge zur Bewältigung der Herausforderungen.
5. Das Überschreiten der Schwelle: Dies ist der Moment, in dem der Held seinen ganzen Mut zusammennimmt und sich endlich in das Abenteuer stürzt. Das ist der Wendepunkt der Geschichte, dort, wo sie wirklich beginnt.
6. Die Prüfungen, Verbündete und Feinde: Der Held trifft auf seinem Weg auf verschiedene Prüfungen und Feinde, aber auch auf Freunde, auf die er sich stützen kann. Der Held muss diese Hindernisse überwinden, um sein Ziel zu erreichen.
7. Die Annäherung an die Höhle: Der Held war seinem Ziel, dem Grund, warum er sich all diesen Prüfungen stellt, noch nie so nahe. Die Höhle ist eine Metapher für den Ort, an dem sich der so sehr gesuchte Heilige Gral befindet.
8. Die wichtigste Prüfung: Die letzte Prüfung, oft die schwierigste, nach der der Held seinen Heiligen Gral erreichen kann, auch das Elixier genannt.
9. Die Belohnung, das Elixier: Der Held schafft es, die letzte Prüfung zu bestehen, und erhält das, worauf er so lange gewartet hat: das Elixier.
10. Der Rückweg: Der Held kehrt nach Hause zurück, manchmal nicht ohne Schwierigkeiten, da er oft dem Zorn der Personen begegnen muss, denen er das Elixier entwendet hat.
11. Die Auferstehung: Der Held ist in seine gewöhnliche Ausgangswelt zurückgekehrt, aber etwas hat sich geändert: Er ist nicht mehr derselbe, er hat es geschafft, das Elixier in die Hände zu bekommen, und seine Reise hat ihn tiefgreifend verändert und geprägt.
12. Die Rückkehr mit dem Elixier: Der Held benutzt das Elixier, um die Probleme zu lösen, die er anfangs hatte. Dies ist der Abschluss dieses Epos.

Diese Liste von 12 Punkten ist natürlich nicht wörtlich zu nehmen. Sie ist nur dazu da, Ihre Show zu strukturieren und Ihnen Stoff zum Nachdenken zu geben. Einige Punkte können weggelassen, andere zusammengelegt werden… Das Wesentliche ist, dass diese Struktur es ermöglicht, fast aus dem Stegreif Szenario-Ideen mit einer bewährten Struktur zu entwickeln.

Dieser Geschichte, die gerade entsteht, müssen wir nun magische Effekte hinzufügen, was uns zum nächsten Teil führt.

Die Auswahl der Tricks

Da wir uns daran versuchen, eine Zaubershow zu kreieren, müssen wir auch… zaubern. Wir haben damit begonnen, die Geschichte zu schreiben, bevor wir unsere Tricks einfügen; das Umgekehrte ist ebenfalls möglich, wenn auch sicherlich schwieriger. Wir präsentieren Ihnen diese Vorgehensweise, um Ideen zu festigen und Ihnen Ansätze zu geben; es steht Ihnen frei, sich an diesen Rahmen zu halten oder nicht.

Die Magie hat die Besonderheit, dass sie stark mit den Emotionen der Zuschauer spielt. Die Rolle des Zauberers wird es also sein, die emotionalen Ausschläge so gut wie möglich zu steuern und die Wirkung durch den Wechsel zwischen starken und weniger starken Momenten zu variieren.

Ein Augenmerk sollte auch auf den Wechsel von visuellen Effekten mit interaktiveren Effekten gelegt werden. Es wird in der Tat schwieriger (wenn auch nicht unmöglich) sein, eine Show ganz ohne Interaktion mit dem Publikum zu gestalten. Ebenso wäre eine ständige Anforderung eines Assistenten schwer zu rechtfertigen. In jedem Fall wird die Show ohne Abwechslung an Dynamik verlieren.

Ein weiteres Mittel, um das Ganze dynamisch zu gestalten, ist die Verwendung von Wiederholungen (Reprisen). Nichts hindert Sie daran, während eines Ihrer magischen Effekte auf einen Ihrer vorherigen magischen Effekte Bezug zu nehmen. Zum Beispiel stellt ein Gegenstand, der zu Beginn der Show verschwindet und ganz am Ende unerwartet wieder auftaucht, eine Wiederholung des ursprünglichen Effekts dar. Indem Sie diese Wiederholungen kreuz und quer, ineinander verschachtelt oder sogar gemischt einsetzen, verleihen Sie Ihrer Show eine Überraschungskomponente und eine „gut durchdachte“ Note, die zeigt, dass alles durchdacht zu sein scheint.

Ein Punkt, der uns wichtig erscheint, ist der magische Effekt an sich. Ein Zaubertrick sollte keine bloße Kraftdemonstration sein, der Trick muss sich natürlich in die Geschichte einfügen. Es reicht nicht aus, einen Trick zu kopieren und ihn unverändert in die Show einzubauen, ohne ihn anzupassen. Das würde keinen Sinn ergeben. Man muss wissen, wie man den Effekt für andere Arten der Präsentation öffnet. Nehmen wir ein Beispiel: Sie möchten unbedingt den Trick mit Salz und Pfeffer zeigen, die sich in der Hand des Zuschauers trennen, weil Sie den Effekt sensationell finden (und das ist er). Warum gehen Sie das nicht unter dem Aspekt des schwarzen und weißen Sandes an, den Sie zu trennen vermögen (es gelingt Ihnen schließlich, das Gute vom Bösen zu trennen, das durch den Sand repräsentiert wird)? Warum nicht auf diese Weise Fragen von Yin und Yang angehen, alles, was mit Spiritualität zu tun hat, anstatt nur Salz und Pfeffer zu trennen? Ein und derselbe Effekt, bei dem sich Struktur, Wirkung und Methode nicht ändern, vermittelt ein völlig anderes Bild, nur indem man den Winkel ändert, aus dem man ihn erklärt. Berauben Sie sich nicht dieses Seitenschritts, der es Ihnen ermöglicht, Effekte auf eine originelle und nie dagewesene Weise zu präsentieren. Dies wird es Ihnen ermöglichen, einen Fuß in die Erschaffung Ihrer eigenen Routinen zu setzen und Ihre Show einzigartig und kohärent mit Ihrer Figur zu machen.

Fazit

Wir könnten diese Erklärungen zur Schaffung von Shows noch lange fortsetzen, aber die Idee war, einige wesentliche Ressourcen sowie Schlüsselpunkte und wichtige Aspekte mit Ihnen zu teilen, um Ihnen eine Basis dafür zu geben. Wir hätten über konkrete Methoden zum Auswendiglernen von Texten, über die Logistik rund um die Show und über viele andere spannende Dinge sprechen können, aber das wird ein andermal der Fall sein!

Wir hoffen, dass diese wenigen Elemente für Sie nützlich waren, und zögern Sie nicht, wenn Sie Fragen haben – wir sind hier, um sie zu beantworten! Wenn Sie gerade an einer Show schreiben, würden wir uns freuen, Ihnen bei diesem Projekt zu helfen – zögern Sie also nicht, uns zu kontaktieren!

Für weiterführende Informationen

Claude de Piante, Le pouvoir de la narration magique Sur les traces de Jean Merlin…, Band 1: Allgemeine und Close-up-Magie (hier erhältlich).

Benoît Grenier, Écrire pour la magie Guide d’écriture scénaristique destiné aux magiciens, Verlag Georges Proust.

Jonathan Renoux, Spectacle en couleurs, Verlag Le cabinet d’illusions (hier erhältlich).