Amélie Nothomb, Theoretikerin der Magie?

Wer kennt Amélie Nothomb nicht, dieses literarische Phänomen, das weltweit von Millionen Lesern gelesen wird?

Man muss nur eine ihrer Begegnungen oder Signierstunden besuchen, um das Phänomen zu begreifen – in einer Zeit, in der es üblich ist zu sagen, dass „niemand mehr liest“, ist es erstaunlich zu sehen, welche Menschenmengen sie bei jeder dieser Veranstaltungen mobilisiert und welche besondere Bindung sie seit über dreißig Jahren zu ihren Lesern pflegt.

Um dieses Phänomen zu ergründen, wollte ich mit Ihnen eine Übung teilen, die ich oft mache: Wenn Amélie Nothomb eine Zauberin wäre (und das ist sie zweifellos!) – und genauer gesagt eine Theoretikerin der Magie –, was wäre dann ihre Lehre?

Um meine Ausführungen zu vereinfachen, bin ich von der Beobachtung eines ihrer Romane ausgegangen: Tuer le père (Den Vater töten).

Tuer le père ist der zwanzigste Roman von Amélie Nothomb, ein Text, der hinter diesem so ödipalen Titel eine Geschichte über die magische Kunst offenbart. Dieser Roman hat etwas zutiefst Magisches, wie viele ihrer Werke, aber darauf werden wir später eingehen.

Zunächst einmal: Worum geht es in der Geschichte?

Oktober 2010, der Roman beginnt in einem Pariser Zauberclub.

Im hinteren Raum konzentriert sich der Blick der Erzählerin (Amélie Nothomb?) auf zwei Männer: der erste, etwa dreißig Jahre alt, spielt Poker und gewinnt ununterbrochen; der zweite, etwa fünfzig Jahre alt, lehnt an der Bar und lässt ihn nicht aus den Augen.

Neugierig fragt sie die anwesenden Gäste, wer diese beiden Personen seien. Der Jüngere heißt Joe Whip, der Ältere Norman Terence.

Ein Rückblick ist unerlässlich.

Zurück im Jahr 1994, Reno, Nevada, USA. Joe Whip ist damals 14 Jahre alt. Als Fan der Zauberkunst lernt er autodidaktisch Kunststücke vor dem Spiegel (darunter, zu meiner großen Überraschung, das Ass-Kunststück von Guy Hollingworth!).

Er kennt seinen Vater nicht und ist auf der Suche nach einem.

Seine Mutter kümmert sich kaum um ihn und wirft ihn schließlich sogar raus. Joe zieht daraufhin allein in ein Hotel und beschließt, seine Tage und Nächte der Zauberei zu widmen.

Dort bemerkt ein Fremder sein Talent. Er schickt ihn zur Ausbildung zu dem größten aller Zauberer: einem gewissen Norman Terence.

Dieser erklärt sich bereit, sich des Jungen anzunehmen, und nimmt ihn sogar bei sich und seiner Partnerin auf. Joe vervollkommnet seine Kunst und lernt endlich ein echtes Familienleben kennen.

Norman betrachtet den jungen Jungen immer mehr wie seinen eigenen Sohn. Doch etwas zerbricht zwischen den beiden Männern und verändert dieses Familienbild für immer. Was wird aus dem jungen Joe und seinem Meister Norman?

Ohne zu viel zu verraten: Der Roman setzt sich mit Joes Werdegang fort und einem Konflikt, der zwischen den beiden Männern entsteht – bis hin zu extremstem Starrsinn. Aber riskieren sie nicht, ihr Leben und sogar das ihrer Nächsten zu ruinieren, nur weil sie so stur an einer Idee festhalten?

Auf der ersten Ebene befasst sich Amélie Nothomb hier also mit Vater-Sohn-Beziehungen und besucht den Ödipus-Mythos neu: Das Kind, das seine Mutter begehrt, muss den Platz des Vaters einnehmen – das heißt, ihn töten.

Laut Freud ist es notwendig, „den Vater zu töten“, um erwachsen zu werden, mit anderen Worten: sich von Erwartungen zu befreien, um Freiheit zu erlangen.

Aber kehren wir zu dem zurück, was uns beschäftigt: Wie lässt sich das Schreiben von Amélie Nothomb auf unsere Kunst übertragen?

Ich schlage vor, vor allem mit dem ersten Bild eines jeden dieser Bücher zu beginnen: dem Titel, dem Umschlag und dem Klappentext.

1- Die Konditionierung.

Zuerst der Umschlag: Das erste Werk von Amélie Nothomb ist sie selbst als Person, so sehr, dass sie die Hauptfigur vieler ihrer Romane ist, dass ihr Porträt auf jedem ihrer Umschläge prangt – ein perfekt wiedererkennbares Porträt –, und dass sie sogar zur Heldin eines Animationsfilms geworden ist!

Das wirft zunächst die Frage nach unserer eigenen Figur auf: Wie kann man sie beschreiben? Wie kleidet man sie? Wie lässt man sie sprechen? Welches Sprachniveau hat sie? Wie schnell spricht sie? Welche stimmliche Prägung hat sie? Welche Silhouette? Wie bewegt sie sich? Welchen Charakter hat sie? Welchen Kleidungsstil? Welche Geschichte hat sie? Woher kommt sie? Wie ist ihr Verhältnis zu anderen? Ihr Verhältnis zu sich selbst? Usw.

Je klarer wir diese Identität definieren, desto besser kann das Publikum uns identifizieren, sich in uns hineinversetzen und sich mit uns identifizieren.

Amélie Nothomb wählt zum Beispiel immer ausgefallene Vornamen für ihre Charaktere (und das ist kein bloßes Gimmick: die Etymologie sagt viel über den Charakter oder das Schicksal ihrer Figuren aus). Kennen Sie die Etymologie Ihres Vornamens? Kennen Sie die Etymologie des Namens des Accessoires, das Sie verwenden? Seine Geschichte? Wie kann man diese Informationen in unsere Magie integrieren?

„Amélie“ zum Beispiel stammt vom japanischen „Amé“ (schauen Sie in ihrem Roman, der als Animationsfilm „Métaphysique des tubes“ [Metaphysik der Röhren] adaptiert wurde, was aus dieser Information wird!), was „Regen“ bedeutet; dieser Vorname stammt auch aus dem Griechischen und bedeutet „Sorglosigkeit“.

Sobald der Effekt des Fotos und ihres Namens gewirkt hat, zeichnet sich Amélie Nothomb auch durch ihre Titelwahl aus, die immer Aufmerksamkeit erregt.

Auch wenn wir jeden ihrer Begriffe verstehen, sind die Titel immer überraschend durch die Wörter, die sie kombiniert (Metaphysik der Röhren, Hygiene des Mörders, Journal d'une hirondelle, Kosmetik des Feindes, Biographie des Hungers...)

Man findet auch Titel mit ungewöhnlichen Namen: Les aérostats, Psychopompe oder Die Catilinarier.

Diese leichte Verzerrung fesselt durch ihre Originalität und ihre Seltsamkeit.

Versuchen Sie, zwei Wörter zu kombinieren, die scheinbar nichts miteinander zu tun haben (der flüssige Magnet, das Gewicht der Luft, der doppelte Boden der Zeit usw.), oder versuchen Sie, einem Wort, das Sie nicht kennen, das Sie aber gelesen oder gehört haben, eine Bedeutung zu geben.

Gibt es nicht eine magische Idee, die aus dieser Skurrilität entstehen könnte?

Schließlich der Klappentext: Was normalerweise eine Zusammenfassung des Romans ist, die zum Kauf anregen soll, wird bei Amélie Nothomb zu einem sehr kurzen Satz aus dem Buch, das man gerade kaufen will – mit den Hauptkriterien: kurz und geheimnisvoll zu sein (mit anderen Worten: nichts von dem zu verraten, was folgen wird!)

Im Fall des vorliegenden Romans: „Versuchen Sie erst gar nicht zu ergründen, was im Kopf eines Spielers vorgeht.“

Dieser erste Eindruck ist sehr inspirierend, wenn wir ihn auf unsere Aufführungen übertragen: den Titel, den Paratext, den Untertitel, das Plakat, aber auch die Wartezeit vor Beginn der Vorstellung sorgfältig zu gestalten. Ich erkläre es Ihnen.

Was können wir dem Publikum vor Beginn der Show zeigen, das es auf das Kommende einstimmen könnte: Musik, ein Licht, das sie empfängt, ein Video, ein Dekorationselement, eine geschlossene Schachtel, ein Text zum Lesen, ein ausgeteiltes Programm, ein versiegelter Umschlag, der später geöffnet werden soll, usw.

Kurz gesagt, wenn „die Stille, die auf ein Stück von Mozart folgt, immer noch Mozart ist“, glaube ich fest daran, dass die Minuten vor einer Show bereits Teil der Show sind.

2- Das Schreiben.

Wenn es eine Autorin gibt, deren Schreibstil man unter tausenden erkennt, dann ist es Amélie Nothomb!

Ihr prägnanter, energischer Stil, frei von Künstlichkeit – dieser inspirierte Schaffensprozess, der sie nicht unbedingt dazu drängt, mehr zu schreiben, sondern im Gegenteil: Dinge wegzulassen: unnötige Wörter, Wiederholungen, alles, was überflüssig ist (keine Beschreibungen, kaum Adjektive).

Kurze Sätze, kurze Kapitel, kurze Romane, die mit der Zeit immer kürzer werden, immer mehr Auslassungen.

Vielleicht kommt das von ihrer japanischen Erziehung, als ihr Vater dort Botschafter war?

Wie dem auch sei, dieser Ansatz lässt uns die Struktur unserer Shows hinterfragen: Ist der Start effizient, überraschend? Gibt es keine überflüssigen Erklärungen? Gibt es nicht zu viele Kunststücke? Zu viele Effekte? Zu viele Objekte? Zu viel Musik? Zu viel Text?

3- Die Struktur.

Die Erzählung von „Tuer le père“ führt uns in die labyrinthartigen Windungen der Magie; ihre okkulte Seite, ihre Tricks, ihre Kunstgriffe, ihre Täuschungen, aber auch das Spiel – und damit das Betrügen.

Der Roman beginnt übrigens mit einer vergleichenden Studie der beiden Welten.

Ist die Zauberkunst nur Betrug? Eine Täuschung? Eine Abzocke?

Amélie Nothomb schreibt, dass „das Ziel der Magie ist, den anderen an der Realität zweifeln zu lassen“. Muss man so sehr zweifeln, dass man sich austricksen lässt? Magie, Spiel und Täuschung sind untrennbar miteinander verbunden. Wo verläuft die Grenze? Wann wechselt man auf die andere Seite, auf der die Realität nicht zum Wohle des Publikums verzerrt wird, sondern zum Nachteil des anderen?

Nothomb beantwortet diese Frage genau mit der Idee, dass der Betrüger zum Nachteil des „Opfers“ arbeitet, das er ausnimmt, während der Zauberer zum Wohle seines Publikums arbeitet: es zum Staunen bringen, ihm ermöglichen, die Poesie wiederzuentdecken, die in einem Objekt, einem Traum, einer Unmöglichkeit, einem Zustand der Kindheit liegt.

Außerdem ist die Idee, am Spieltisch einen Betrüger auf der einen und einen Zauberer auf der anderen Seite gegenüberzustellen, eine überaus interessante narrative Basis: Wer wird gewinnen? Und besteht Gewinnen nur darin, die besseren Karten zu haben? Was gewinnen? Vor wem? Wie?

4- Das Labyrinth.

Die labyrinthartige Schreibweise findet sich auch in ihren Romanen wieder: Charaktere mit mehreren Eingängen, mehreren Ausgängen, Umwegen, falschen Fährten, Sackgassen, Weggabelungen, 180-Grad-Wenden, optischen Täuschungen, unerwarteten „Twists“, um schließlich den besten Weg zu finden, beides zu verbinden, oder einfach zu lernen, dass wir in Wirklichkeit außerhalb des Labyrinths waren.

Das ist die Frage, die wir beantworten müssen: Worauf läuft unsere Darstellung hinaus? Auf welchen Effekt? Auf welche Idee? Welche Frage? Welches Gefühl?

5- Schreibtechniken.

Wir haben oben die „Nothomb-artigen“ Buchtitel erwähnt, die eine Inspirationsquelle sein können. Man könnte zum Beispiel auch das Umschreiben (traditionelle Märchen, Mythen, Romane, heilige Texte („Soif“)) nennen.

Ihre Neuinterpretation großer Figuren (Blaubart, Quasimodo, Riquet mit dem Schopf...) durch die Übertragung in andere Kontexte, andere Epochen, andere Räume, andere Unwirklichkeiten ist ein sehr fruchtbarer Weg für die Kreativität.

Schließlich die Verwendung von „Fetisch“-Themen (ihr Verhältnis zur Kindheit, das Thema des Doppelgängers, das viele ihrer Schriften durchzieht, Essen, Japan etc.). Dass man diese Themen regelmäßig wiederfindet, verleiht ihrem Werk eine echte Kohärenz, auch wenn ihre Romane unabhängig voneinander sind, und trägt zweifellos dazu bei, ihr eine eigene „Handschrift“ zu geben.

6- Die Routine.

Eines der grundlegenden Elemente ihres Schreibens ist zweifellos die Routine, die Selbstdisziplin und die Hingabe an ihre Kunst, ihre Fähigkeit, sich Riten aufzuerlegen: jeden Morgen von 4 bis 8 Uhr schreiben, egal was passiert, jedes Jahr Ende August einen Roman veröffentlichen usw.

Es besteht kein Zweifel daran, dass man – egal was man tut – zwangsläufig etwas lernt, wenn man es jeden Tag tut.

Zusammenfassend lässt sich sagen, dass das Eintauchen in die Welt eines Künstlers eine Büchse der Pandora ist und zu einer wahren Meisterklasse über die magische Kunst werden kann, wenn man sich die Zeit nimmt, einen aufmerksamen und magischen Blick darauf zu werfen.

Wenn Ihnen der Ansatz gefällt, könnten wir das Experiment ein nächstes Mal wiederholen, wer weiß?

Und wie ist es bei Ihnen: Haben Sie einen Autor oder eine Autorin, einen Regisseur, eine Regisseurin, einen Maler, eine Malerin, einen Architekten, einen Schauspieler oder eine Schauspielerin, deren Arbeit Ihre Magie beeinflusst?